Afortunadamente, existen algunas técnicas que nos ayudan a crear imágenes que transmiten esa sensación de movimiento. Vamos a repasar alguna de ellas compartiendo trucos para facilitar su ejecución.

El barrido

Es un clásico para fotografiar un objeto en movimiento aislándolo de su entorno. Muy socorrido en carreras o eventos deportivos, o cuando el fondo se convierte en algo poco importante porque lo que nos interesa es un sujeto concreto.

Esta foto nos muestra como haciendo un barrido logramos aislar el coche en movimiento, congelándolo, mientras difuminamos un fondo potencialmente aburrido o desagradable. De otro modo, si la fotografía se hiciese simplemente congelando el conjunto, parecería que el coche circula más lento y el fondo le restaría protagonismo.

Consejos para hacer un barrido

Un barrido es movimiento y, por eso, llegar a hacerlo bien no es fácil. De forma simple, diremos que consiste en seguir a un objeto en su plano de movimiento, ya sea vertical u horizontal, con nuestra cámara. Parece sencillo, configuramos la velocidad, movemos la cámara con la acción y cerramos el obturador. Pero, en realidad, que quede bien es complicado. A pesar de ello, con práctica, tenacidad y sabiendo algunos trucos, es posible.

1. Velocidad de obturación. Dependerá de lo rápido que se mueva nuestro objeto. Nosotros sugerimos empezar con 1/30 o 1/20 segundos y experimentar en función del resultado, aumentándola o disminuyéndola. Nuestro movimiento debería iniciarse antes de disparar y continuar una vez hemos presionado el obturador.

2. Nitidez. Si el conjunto de los objetos que fotografiamos sale desenfocado, la imagen es un caos. Debemos conseguir que el objeto principal permanezca nítido.

Efectos como el de la fotografía anterior pueden ser interesantes para representar el ajetreo de la ciudad, pero no son un barrido.

3. Flash. Si sincronizamos el flash con la cortinilla trasera de nuestra cámara, conseguiremos una representación del movimiento más dramática. Para hacer esto debemos configurar los ajustes del flash de forma personalizada y elegir la sincronización con la segunda cortinilla.

4. Enfoque. Dependerá del tipo de fotografía que queramos hacer. Podemos usarlo de forma automática o experimentar con otros modos o zonas específicas.

5. Movimientos firmes. Si el camino a seguir por el sujeto está determinado, podemos ayudarnos de un trípode. Si no, tendremos que hacerlo con movimientos firmes, estables y suaves.

6. Distancia. A mayor distancia, tendremos más sensación de lentitud, y cuanto más cerca esté el objeto podremos mostrar más velocidad.

El uso de velocidades lentas de obturación

Otra forma de crear sensación de movimiento en nuestras fotografías es la utilización de velocidades muy lentas de obturación. Si fotografiamos sujetos, como en la imagen anterior, quedarán desenfocados, lo que trasmitirá acción al espectador. Otro clásico de este tipo de imágenes es el agua. Las fotografías del mar borroso o el agua de una cascada con velocidades muy lentas crea una sensación muy especial. Es importante destacar que, si tenemos demasiada luz, puede ser conveniente recurrir a un filtro de densidad neutra.

La fotógrafa ha creado una serie de retratos inquietantes y bellos a la vez, doblemente bonitos, nos atrevemos a decir, a través de la doble exposición. En estas fotos presenta el rostro humano descompuesto en capas que se entremezclan con el paisaje. Los sujetos semejan ser muy pensativos mientras posan en escenas urbanas o propias de un ambiente rural.

No existe una línea que sirva para distinguir los diferentes elementos que aparecen en la foto, sino que los mundo chocan en una sola imagen fascinante. Sus fotos parecen estar llenas de tristeza y nos trasladan a un mundo lleno de soledad y aislamiento.

En su biografía leemos que a través de sus fotos, insinúa tensiones visuales en sus imágenes y le imbuye un toque de misterio que anima al espectador a examinar de forma continua la imagen, con la intención de ver cada més más contenido y buscar un significado más profundo con cada visualización.

No sé qué piensas tú, pero a mi juicio, su intención está más que conseguida, porque, aunque puede haber muchos espectadores a los que no les acabe de convencer su obra por ser un tanto mística, lo cierto es que consigue no dejar indiferente a quien mira su obra y ese es el gran premio para un artista.

Aquí está una pequeña muestra del resultado, las localizaciones y los trucos a la hora de fotografiar, te los cuento a continuación:

Fabrie asegura que empezó a dar más importancia al lugar que estaba fotografiando para obtener la satisfacción de capturar a la perfección el espíritu del lugar. Ha dedicado casi tres años a viajar por Europa para encontrar lugares increíbles. Desde reliquias comunistas en Bulgaria o Hungría a fantásticas villas y palacios en Italia, pasando por las enormes fábricas y centrales eléctricas en Francia y Bélgica. Paisajes donde la belleza surge de la decadencia.

"Me encanta cuando la naturaleza se apropia de las construcciones y crea un ambiente único e irreal. Es cuando se pone en perspectiva nuestra presencia en la tierra y nos recuerda que nosotros solo estamos de paso. Para mí es como viajar en el tiempo, cada habitación es especial y tiene su propia historia", asegura Martijn Fabrie.

Si te interesa tomar fotos de lugares abandonados, te dejamos aquí una web que te ayudará a buscar localizaciones interesantes. Se trata de Abandoned Berlin, una web que recopila los mejores lugares abandonados de Berlín y alrededores así como una guía práctica para acceder con seguridad a estos lugares.

Los sueños son un lugar fantásticamente caprichoso donde ocurre cualquier cosa y donde todo puede ocurrir. McCormick, en su serie fotográfica, engloba una serie de imágenes surrealistas y situaciones que es difícil que ocurran en la vida real. Su proyecto incluye fotos de una mujer dormida en el aire, un tornado en un frasco e incluso sirenas nadando alrededor de un florero.

El dispositivo encontró un lugar apartado cerca de Concordia, que el área que está en la parte inferior del K2, donde convergen los glaciares Baltoro y Godwin Austen. Kaszlikowski percibió que ahí había una sección del glaciar rodeada de agua. "El lugar era especial, era un marco gráfico muy limpio. Fue desapareciendo, fusionándose, cambiando de forma todos los días, era bastante obvio que nadie volverá a fotografiarlo como yo, por lo menos hasta el año que viene", dijo a Wired.

Para capturar esta impresionante vista, se acercó al lugar por la noche y utilizó una exposición de 30 segundos con su Canon 5D Mark III e iluminó el lugar con luz LED, de tal forma que se percibe de una manera surrealista como si fuera de otro planeta. Sin duda, toda una maravilla!!

Desde la muerte de la producción de la película instantánea de Polaroid, The impossible Project ha hecho un trabajo notable en mantenerse al día con la creación de viejos y nuevos tipos utilizando la misma maquinaria que se usaba antiguamente. No obstante, no ha logrado la inmediatez característica de Polaroid, ya que ahora necesita entre unos 30 o 40 minutos para revelarse totalmente, en contraste con las antiguas que conseguían hacerlo en tan solo dos minutos.

De esta forma, Blohm, en un intento por acelerar el proceso, comenzó a experimentar con las películas de "The impossible Project". Quería reducir el tiempo de revelado de la imagen y lo hizo utilizando un microondas y una especie de escudo hecho de cartón húmedo y vidrio. De esta forma logró que la foto se revelase en tan solo un par de minutos, al tiempo que descubrió un efecto secundario interesante.

El uso del microondas trajo con sigo una textura interesante, formas y quemaduras en la película que han ido mejorando a medida que Blohm ha ido perfeccionando el proceso. Aquí te dejamos algunas de las fotos de este singular fotógrafo que ha conseguido captar la atención internacionalmente.

Seguramente, una de sus series fotográficas más conocidas es la llamada "Día y Noche", donde el fotógrafo presenta paisajes urbanos emblemáticos capturados en el transcurso de un día, desde el amanacer hasta la puesta de sol.

Las fotos de Wilkes muestran el brillo fugaz de la luz y su reflejo sobre monumentos y lugares reconocibles. Trabaja con un ángulo fijo y dispara durante unas 15 horas de forma continua, tomando unas 1.500 fotos. Después selecciona las fotos y las mezcla en una única imagen, recreando la naturaleza transitoria de un solo día, de principio a fin. El proceso es muy laborioso, porque planificar y terminar una foto lleva más de un mes.

Las fotos resultantes son toda una demostración de esfuerzo de síntesis, detalle y riqueza visual. Cuanto más tiempo uno mira la imagen, más detalles emergen de ella. Cada una de sus fotos es única y nos encanta!! Sin duda, un maestro del que aprender y ¡mucho!

La imagen captura el rastro que deja la luna cruzando el cielo en una noche tranquila. El fotógrafo utilizó su Nikon D800 para capturar una foto con una larga exposición de más de 37 minutos. No fue una tarea sencilla para el paciente fotógrafo y necesitó varios intentos para lograr la iluminación correcta para la foto.

"Captar un movimiento y ir iluminándolo gradualmente, no es fácil de fotografiar", explica. La imagen resultante muestra una banda muy colorida en contraste con el azul del cielo de fondo. Nos encanta esta fotografía que no tiene parangón.

Cano ha compartido recientemente en su cuenta de Instagram un día típico en su vida. No es ninguna sorpresa saber que sus impactantes imágenes no son solo producto de la suerte o de tomar la foto en el momento justo, sino que detrás de ellas hay verdadera devoción y un incansable trabajo. Se levanta a las 5 de la madrugada y se prepara para pasar el día recorriendo el Parque Nacional Amboseli de Kenia. Incluso cuando la luz es demasiado intensa, en torno al mediodía, ella continúa buscando animales para fotografiar. Cano asegura que "el tiempo es precioso cuando uno está de viaje, siempre hay buenas oportunidades para tomar excelentes fotografías".

Después de más de 12 horas de conducción por el parte, busca con paciencia los animales a medida que el sol comienza a ponerse. El resplandor de la noche que marca la llegada de la noche, Cano logra capturar imágenes hermosas de la vida salvaje. "Yo siempre digo que si mis fotografías son bonitas es porque mi tema, la naturaleza, es impresionante", recalca. Su jornada termina yéndose a la cama alrededor de las 22:00 de la noche con la esperanza de descansar bien para poder levantarse de nuevo temprano y capturar fotos de animales en llanuras solitarias.

Si te ha gustado su trabajo, te recomendamos que no pierdas de vista su página web.

En su estudio de 360x410x240 centímetros, construye con esmero hasta el último detalle del escenario, con fondos pintados a mano y múltiples artilugios y objetos que cuelgan del techo. El resultado son imágenes surrealistas, fotos de ensueño que son extraordinarias también por el hecho de que tienen detrás una cantidad de trabajo agotador y a sabiendas de que requieren increíbles dosis de paciencia.

En el punto focal de cada foto es casi siempre la propia artista, su mirada nunca se dirige directamente al espectador. Inspirado por las fábulas coreanas o por experiencias personales, estos imaginativos autorretratos sirven para explorar "su búsqueda de una identidad, sus deseos y su estado de ánimo", según la Galería OPIOM. "Sus creaciones actúan como una catarsis que le permite aceptar la represión y frustraciones sociales en el momento requerido para preparar el escenario se toma su tiempo para meditar sobre las causas de sus conflictos interiores y por lo tanto exorcizarlos. Una vez experimentados, se convierten a su vez en presagios de esperanza", señalan.

Aquí te dejamos algunas de sus fotografías más impactantes y el enlace a su web para que puedas descubrir todo su trabajo.

Kitajima transforma brillantes escenas nocturnas en imágenes abstractas que representan una ciudad con una nueva luz. En sus imágenes vemos diferentes edificios como la Torre de Tokio, rascacielos o templos antiguos que sirven como puntos focales clares en torno al que se forma el bokeh multicolor.

Las instantáneas son espectaculares y nos presentan una visión de Tokio única, llena de color y luminosidad.

La luz de interior tiene un carácter muy diferente de la luz exterior, debido sobre todo a la falta de luz directa del sol. Con seres humanos a cargo de la fuente de luz hay un toque de intención, ya que la luz es a menudo diseñada para un propósito específico.

Por ejemplo, las luces de una casa están diseñadas para dar una luz atractiva y generalmente difusa mientras que la luz de la oficina es más funcional y el ahorro de costes es a menudo la causa principal- ese es el motivo por que el que los que trabajan en una oficina tienen que pasear bajo una verde oscuridad.

La mayoría de las luces artificiales de interior son difusas, ese es el propósito de la pantalla de la lámpara, para suavizar la luz y las sombras que producen. La excepción a este supuesto, son los focos, que emiten una luz dura. Aunque bien es cierto qeu los diseñadores de luz usarán generalmente varios focos para que no haya sólo una luz dura, sino varias que conjuntamente suavizarán cada sombra de la otra, y así crear una multitud de realces.

La luz del sol en el interior casi siempre es difusa ya que rebota entre las paredes, suelos y techos. La luz del sol directa puede llegar desde ventanas y claraboyas, pero a causa del tamaño comparativamente menor de las ventanas con respecto a la pared, la mayor parte de las casas nunca recibe la luz del sol antes de que haya sido reflejada por una superficie u otra.

"La mayoría de las fotos no eran muy buenas para ser honesta. Pero a través de la práctica diaria, conseguí mejorar. Tomar fotos cada día es lo mejor que he hecho para mi técnica fotográfica hasta la fecha", declaró Brooke DiDonato.

Lo que surgió de este proyecto es un estilo único que es tan provocativo, que resulta realmente alucinante. El trabajo de DiDonato ofrece una mezcla de la estética minimalista y los colores pastel. Cuando miras sus fotografías siempre se te embarga una misma sensación: nunca sabes lo que está pasando. La mezcla entre ficción y realidad hace que nos transportemos a un mundo nuevo.

DiDonato se crió en Ohio, pero se mudó a la ciudad de Nueva York. Actualmente vive en algún lugar de Brooklyn.

Su proyecto más conocido, llamado Windscale, es una combinación de time-lapse y stop-motion que él y un amigo crearon el año pasado durante un trayecto que discurría entre Montreal y Burning Man, en Nevada.

La mezcla crea una interesante ruptura con el típico paisaje que nos brinda un time-lapse. Aunque hay un montón de pintorescos paisajes capturados, a esas vistas se une a menudo su Line Migneault . Cronometrando sus movimientos para el clic del obturador, que alterna entre el aspecto de un maniquí de stop-motion y una persona que se mueve de alguna manera a la velocidad normal a través de un mundo acelerado.

"Lo hicimos para experimentar con stop-motion y time-lapse", asegura Paré. "Pero por encima de todos los aspectos técnicos , esto fue verdaderamente una manera de inmortalizar este momento mágico que pasamos en los EE.UU."
Para saber más sobre el proyecto de Paré, puedes visitar la web Windscale, no te arrepentirás!

Yamada empezó tomando fotos de amigos y conocidos para después pasar a colaborar con algunos famosos locales y la cosa se empezó a poner interesante. Su meta es trabajar con el Papa y el Dalai Lama y hacer con ellos fotos en las que también haya objetos levitando.

Su proyecto se llama "The uplifted" y transmite muy buen rollo. Da la sensación de que todos los sujetos están de buen humor y disfrutan al ver cómo han perdido el control sobre los objetos que utilizan a menudo en su vida diaria. Nos encanta este tipo de fotografía que nos contagia el buen humor y el positivismo!

Las rocas multicolores son el resultado de la piedra arenosa y otros minerales que surgieron hace más de 24 millones de años debido a los movimientos de las placas tectónicas. A lo largo de milenios, el viento y la lluvia han esculpido las rocas en los diferentes colores y han creado las formaciones salvajes que hoy podemos ver.

A pesar de que algunas de estas fotos han pasado por manos del Photoshop para que los colores se perciban mejor, no se puede negar la belleza de las formaciones y del paisaje que tenemos ante nuestros ojos.

Este parque ha sido declarado Patrimonio de la Humanidad por parte de la Unesco en 2010 y se ha convertido desde entonces en una atracción turística para que visitantes puedan explorar el terreno y recrearse con las magníficas vistas.

El fotógrafo freelance Li Ye, originario de Tibet, ha querido explorar este fenómeno en sus viajes alrededor del mundo y, particularmente, en su propio país. En sus cautivadoras imágenes captura la esencia del momento del año en el que se encuentra reflejando su belleza particular en el país que está visitando. Sus destinos son múltiples y variados desde Sri Lanka hasta Irkutsk, en Rusia.

En las dos imágenes anteriores apreciamos perfectamente el contraste. Por una parte, la calidez del atardecer en Sri Lanka, con un amplio abanico de colores en similares tonalidades que tiñen de rosa hasta el mismo mar, en una escena en la que los rayos de sol que azotan a los pescadores provocan un fuerte contraste a contraluz. En el lado contrario, el invierno gris de Irkustsk en Rusia, donde la única nota de color la ponen los sujetos y los accesorios de un paisaje urbano sobre un fondo monótono y totalmente plano.

El fotógrafo juega también con perspectivas distintas del mismo lugar en distintos momentos del año, como vemos en las imágenes anteriores tomadas en Si Chuan, China. Se trata de estampas típicas de diferentes estaciones que nos muestran sus tintes, luces, y sombras.

Hay imágenes que nos teletransportan instantáneamente a un momento del año, como ésta tomada en Buthan con el florecer de la primavera.

Y hay lugares que parecen oler a verano, como las Islas Fiji, así nos lo transmite Li Yen en esta fotografía de sol, playas paradisíacas y paz.

Puedes descubrir más sobre el trabajo de Li Ye en Behance o su Instagram.

Rubi Dubi Do, 1982

Cuando llegó a la ciudad en 1980, tras graduarse en el California College of Arts & Crafts, sus pretensiones estaban muy lejos de conducir un taxi las próximas décadas, pero los 300 dólares que llevaba en el bolsillo no eran suficientes para vivir y tuvo que buscarse otro medio de subsistencia. Fue así como llegó al taxi, sin renunciar a hacer street photography, el objetivo que le había llevado, en un primer momento, a la ciudad de los rascacielos.

Autorretrato en el asiento de conductor de su taxi

Sus fotografías, de reconocido prestigio, recorren ahora el mundo de la mano de la Bruce Silverstein Gallery y recientemente ha podido ser vistas en el Centro Espronceda de Barcelona. La vida y la intensidad de las historias que se contaban y ocurrían en el asiento trasero de su taxi le llevó a captar las imágenes que son ahora objeto de culto y en las que, más allá de fotografiar personas en un taxi, ha captado la evolución de una ciudad con una intensa vida festiva, de negocios y cultural, en décadas de grandes cambios.

Alguna de las anécdotas de Weideman incluye serpientes

Sus fotografías captan la diversidad de los habitantes de la ciudad que nunca duerme en constante ebullición y las surrealistas historias que pueden tener lugar en un taxi, siempre desde la perspectiva de su conductor y, en ocasiones, con el propio taxista de protagonista o coprotagonista.

Si quieres embarcarte en un viaje nostálgico por las transitadas calles de la noche neoyorquina, puedes explorar su exposición online en la prestigiosa galería Bruce Silverstain.

Residente en el sudeste asiático, Amin decidió retratar a los vendedores de frutas que tanto abundan en la zona. Explica que ellos son las "personas de más bajo perfil" que les rodean. "Normalmente compramos las frutas sanas que venden, hablamos un poco con ellos, les pagamos y nos vamos. Pero ¿cuántas veces nos acordamos de su cara?", se pregunta este arquitecto y fotógrafo.

Su identidad, explica, se relaciona a menudo con las frutas que venden. Es por eso que decidió hacer unos retratos un tanto originales de los fruteros, cambiando su rostro por la mercancía que ponen a disposición de los clientes. "Hacer estas fotos ha sido un gran reto para mí. De repente, encontré inspiración en la obra del pintor belga René Magritte", apunta. Su obra "El hijo del hombre" le inspiró y decidió empezar con la serie fotográfica de los vendedores de fruta.

¿Deberías pedir permiso antes de tomar la foto de alguien?

A favor de pedir permiso para hacer fotos

• Si alguien no quiere salir en una foto, debería respetarse su deseo.
• Al pedir permiso, mostramos respeto y educación pero podemos también capturar fotografías más íntimas y personales de los modelos.
• La persona fotografiada nos mostrará un lado amable porque, probablemente nos haya permitido que la fotografiemos porque se siente cómoda en la posición de modelo.

En contra de pedir permiso para hacer fotos

• Al no pedir permiso, hay muchas más posibilidades de capturar al modelo actuando con naturalidad y sin posar.
• Al no ser consciente de que una cámara lo enfoca, el modelo no se pone nervioso ni tenso.
• Cuando no nos paramos a pedir permiso, la fotografía es inmediata y trabajamos más rápido. Si nos paramos para hablar con el modelo, podemos perder la oportunidad de fotografiar lo que en un primer momento nos llamó la atención.

Cada ajuste revela el comportamiento diario se lleva a cabo a menudo a puerta cerrada. Los sujetos se ven haciendo cosas mundanas como probándose varios pares de zapatos, tomando un baño, o simplemente leyendo un libro, sin embargo, las actividades ofrecen una fascinante visión del carácter de cada persona.

A través de la perspectiva, Beaudenon crea una sensación incómoda de que el espectador está observando escenas íntimas. El artista dice: "Hay que disfrutar de cada momento. El proyecto «Vida inmediata» se creó después de esta idea. Fotografía un tanto invasora, no sin un poco de voyeurismo, sobre la vida de personas desconocidas”, resalta. Todos sus fotografiados "han acordado compartir una afición, un momento de intimidad que es importante para ellos y en el que todo el mundo puede reconocerse a sí mismo".

Hoy nos vamos a fijar en un edificio que se encuentra parcialmente en ruina. Primero tendríamos que averiguar quien es el propietario, y pedir permiso para entrar en el mismo. Nunca forzaremos puertas ni ventanas, y andaremos con cuidado caso de que pueda existir algún tipo de peligro.

En el caso que nos ocupa hoy, después de pedir permiso al propietario del edificio, y una vez obtenido nos pusimos a explorar intensamente. La sensación de decadencia nos acompaña por todas partes. Un edificio que estuvo lleno de vida, y donde se han desarrollado muchas historias, algunas con feliz resultado, otras no tanto.

Por supuesto, nos llevamos nuestro trípode, y aunque resultemos pesados al insistir, pues otra vez. Una vez plantado el trípode con la cámara encima, y a pesar de que podamos pensar que nuestra cámara digital ande sobrada de sensibilidad ISO, usaremos una sensibilidad baja, lo cual, unido a un diafragma mas bien cerrado, (un 8 o quizás un 11), nos dará tiempos de exposición largos. Con la cámara plantada podremos componer cuidadosamente la escena en el visor de nuestra cámara, con lo cual eliminaremos casi por completo el trabajo de post postproducción. En el modelo utilizado, una Canon 350 D, usamos exclusivamente el visor directo (no la pantalla posterior).

Para evitar horizontes torcidos, nos fijaremos en la gota del nivel de nuestro trípode, que esté dentro de su circulito. Por otra parte, seremos cuidadosos al incluir ventanas por las que pueda entrar un exceso de luz, que pueda producir fuertes contrastes en las imágenes obtenidas, con el engorro de tener que corregirlas posteriormente con el photoshop.

Es mucho mejor evitar los problemas desde el principio, que tener que solucionarlos más tarde. Como ejemplo, evitar objetos que interfieran en la composición (papeles por el suelo, botellas fuera de contexto, ropa de los/las modelos arrugada o manchada, cabellos desordenados etc.

Pensamos que debemos de sacar una buena foto "a la primera" y usar el procesador de imagen mínimamente, o suponiendo que queramos obtener resultados fuera de la realidad.

]]> https://album.es/blog/fotografia/edificios-abandonados/gmx-niv18-con3640.htm https://album.es/blog/fotografia/edificios-abandonados/gmx-niv18-con3640.htm Sat, 01 Aug 2026 00:10:00 +0200 A través de una fascinante colección de imágenes, Nir Arieli explora lo que ocurre cuando a un grupo de bailarines profesionales se les pide que dejen de moverse. Toma fotos de cuerpos atléticos entrelazados con languidez y sensualidad. Su fotografía se adentra en las interacciones dinámicas y físicas grupales que suelen ser complejas en grupos de danza.

Su serie fotográfica titulada "Flocks" (Rebaño, en castellano) pero que en hebreo (idioma nativo de Arieli) se traduce como compañía, hace referencia a un rebaño de animales afines. Este proyecto único, explora visualmente la mentalidad de la "manada" que lleva a los individuos de un grupo a comportarse de manera cohesiva.

La serie pone de relieve el trabajo de varias compañías de danza de orden mundial como la Shen Wei Dance Arts, Les Ballets Jazz de Montreal o la Nederlands Dans Theater II. "A pesar de las grandes diferencias entre las empresas en lo que a cultura, patrimonio o sensibilidad, el resultado de las fotografías compartía una misma cualidad y es que revela que los bailarines se comunican físicamente", explicó Arieli.

Eso se pone de manifiesto cuando uno se da cuenta de que los bailarines no utilizan lenguaje verbal, sino que forman esculturas vivientes sin necesidad de intercambiar una palabra. El trabajo de Arieli es un soplo de aire fresco en la fotografía de danza. Nos encanta!

Un contraluz como su nombre indica es una imagen que está tomada con el sujeto situado al contrario de la luz, está por tanto oscurecido. Es posible que incluso a veces a simple vista nos cueste ver correctamente al sujeto a fotografiar.

Para fotografiar de forma correcta un contraluz debemos sobreexponer (es decir dar más luz de la que es necesaria). Lo normal es que con dos puntos más de luz la imagen ya esté correctamente sobreexpuesta aunque esto no siempre funcionara, y si tenemos la posibilidad porque estamos realizando la fotografía con digital, lo ideal es hacer varias pruebas hasta poder encontrar el punto de luz que más nos gusta.

Los contraluces es una técnica que embellece y estiliza. Los rasgos de las personas retratadas a contraluz se dulcifican, las arrugas e imperfecciones de la piel se disimulan, lo que hace de esta técnica una infalible a la hora de realizar retratos efectivistas y rápidos.

No olvidemos que hay muchos tipos de contraluz y no siempre nos interesará realizar la fotografía con luz muy directa: en ocasiones simplemente preferiremos que simplemente haya algo más de luz que en el sitio donde esté el retratado.

Con la luz directa, podemos jugar con el flare, una deformación de la imagen con resultados de ensueño, este efecto encaja muy bien en celebraciones como por ejemplo bodas, por ese aire romántico que parece darle a la imagen.

No nos olvidemos del flash: un contraluz con flash nos dará como resultado una imagen divertida y potente, con colores vivos y una imagen plana con mucha personalidad. Si usamos la cámara en modo automático el flash de nuestra cámara se disparara con este efecto casi de forma segura.

Aunque a veces nos interesa que el sujeto se vea de forma definida, también podemos jugar en los contraluces con un elemento muy importante en la fotografía: las siluetas. Un buen contraluz nos dará una silueta oscura, definida y con una gran carga compositiva.

Sino disponemos de parasol para nuestra cámara (qué es una tapita que se coloca alrededor del objetivo para evitar que entre luz en la foto que no queremos) podemos usar nuestra propia mano: pruébalo. Coge tu cámara e intenta fotografiar algo que este a contraluz con luz directa, si tapas el objetivo con la mano verás como la luz va cambiando. Unas veces nos interesará dejar esta luz infiltrada en la imagen, y otras podremos tomar la decisión de que lo mejor es tamizarla.

Y un último consejo, aprovecha las cortinas y persianas, ya que son un fiel aliado de los contraluces. Utilizalas siempre que puedas para evitar la luz solar directa.

Florent primero se centró fundamentalmente en los monumentos arquitectónicos de Budapest, que son obras de arte en sí mismos. Las imágenes resultantes capturan la grandeza de estas finas estructuras a lo largo del día, condensando la luz del día en la parte izquierda de la fotografía y la oscuridad de la noche en la parte derecha de la misma.

"Buda... Pest", dos caracteres, dos formas de ser separadas por el Danubio, escribe Florent al describir esta serie fotográfica. "Día... noche... dos ambientes separados por un hilo invisible, la perla del danubio que sabe cómo seducir a cualquier hora", apunta a continuación y tiene mucha razón porque ¿por qué elegir entre una parte u otra de la ciudad si podemos disfrutar de todos sus encantos al mismo tiempo?

En medio de este conjunto artístico siempre podemos encontrar a la propia artista, ya que sus obras son autorretratos aunque poco convencionales. Inspirada por su vida personal o por fábulas coreanas, cada una de las fotografías tiene su propia historia de fondo que, por supuesto, sirve para añadirle un poco de drama a la imagen.

De febrero a marzo de 2014 expondrá en Francia su trabajo, en la galería Opiom. Será la primera vez que exhiba su trabajo en Europa. A continuación os explicamos algunas de sus fotografías que merecen mucho la pena por el trabajo meticuloso que ha sido desplegado en cada una de ellas.

Pájaros negros:

Como dice Hyewon yi, director de la galería Amelie Wallace: "Basándose en los prodigiosos poderes de su maginación, ella trabaja durante meses para crear efectos que parecen expandirse y contraer el espacio físico. Y siempre, un solitario. Habita y completa sus relatos. Jee Young Lee asume las funciones de escenógrafo, escultor, artista, artista de instalaciones y fotógrafo - y los ejecuta como por arte de magia ".

La última cena:

Confunde la imagen cristiana de la comida que prefigura la inminente desaparición de Jesús con la competencia por los recursos limitados ilustrados por cientos de ratas corriendo hacia la mesa de la que el artista parece estar rescatando un plato de queso.

Corazón roto:

Es la expresión visual de Corea "como romper una piedra con un huevo", un esfuerzo inútil contra la adversidad insuperable.

La diversidad que se puede encontrar en el estado es lo que inspira a Bryant. "Oregón tiene mucho que ofrecer, desde las aguas costeras, el alto desierto, los valles", asegura. Al mirar su colección de fotografías, nos damos cuenta de que a pocos kilómetros los extremos se tocan y vemos paisajes totalmente diferentes cuyo denominador común es la grandeza de la naturaleza.

Para lograr estas fotos, Bryant edita cuidadosamente sus imágenes. Toma fotos con una Nikon D750 y utiliza Adobe Lightroom para retocar. "Siento que la edición de la foto es tan importante como la foto que se ha tirado. Componer y editar las imágenes puede llegar a darle al espectador la sensación de que está allí", aclara. Tiene razón, nosotros al ver las fotos nos sentimos transportados a este paisaje único.

La Regla de los Tercios está directamente relacionada con la composición fotográfica. Consiste en dividir la imagen en tres tercios imaginarios horizontales y verticales. De esta forma, se produce una distribución del espacio dentro de la imagen que favorece una atracción respecto al centro de interés.

Foto: aloj.us.es

Una vez trazadas esas líneas imaginarias, sus puntos de intersección, denominados puntos fuertes, fijan la posición adecuada para situar el punto o los puntos centrales de la fotografía. La escena se divide tanto vertical como horizontalmente en tres partes y los puntos donde se cruzan las líneas se convierten en lugar indicado donde debe colocarse el elemento que queremos destacar dentro de la composición.

La Regla de los Tercios, al no colocar el punto de interés en el centro, dotará a la imagen de mayor dinamismo y la hará equilibrada y agradable estéticamente. Empieza a probarla y verás cómo tus fotos mejoran notablemente!

En principio los márgenes de contraste sobre papel entre el negro más negro y el blanco puro, es muy limitado. Las pantallas de TV/ordenador nos informan del rango del contraste, que es muy elevado en ocasiones, y por supuesto mucho más contraste del que ofrece el papel fotográfico.

Se trata en definitiva de enclaustrar el máximo rango tonal posible de contraste de la realidad en los limitados medios de los que disponemos.

El histograma nos informará en su eje horizontal de la cantidad de píxeles de información de que se compone la imagen, desde del rango muy oscuro (negro, nivel 0), hasta el 255 (blanco puro), el eje vertical nos informará del porcentaje de píxeles que se encuentran en cada tramo.

Una imagen de rango tonal completo tendrá sus pixeles más o menos uniformemente distribuidos a lo largo de todo el eje horizontal

A veces nos  faltará totalmente la información en un parte del histograma, siendo difícil de solucionar este problema, pero podemos mejorar notablemente la imagen (en photoshop), moviendo los triangulitos que muestra la línea inferior hasta conseguir que el rango tonal llegue de extremo a extremo.

Los efectos del histograma pueden ser ejecutados sobre toda la imagen, pero también sobre las capas individuales que la componen, en su caso, e incluso sobre una parte seleccionada previamente.

Cuando creáis que ya habéis acabado, solo resta aceptar, si no, el histograma, con la casilla previsualizar activada, nos irá mostrando los cambios automáticamente.

No perdamos de vista otros comandos interesantes como brillo/contraste. Desplazando los cursores buscaremos el aspecto que más nos guste tanto en brillo como en contraste, con la casilla previsualizar activada para observar los cambios al momento.

Existen manuales especializados al respecto, pero confiamos en que vuestro buen gusto y pulso adecuado nos muestra intuitivamente el mejor resultado.

Otras cuestiones interesantes es indicar al photoshop cuáles son los puntos "más negro" o "más blanco" para que automáticamente el programa ajuste el rango tonal con arreglo a estos puntos. Con el comando "niveles" (CTRL+L) activado, y el "cuenta gotas blanco", haremos "clic" sobre la zona que consideremos de mayor luminosidad, y con el "cuenta gotas negro" sobre la parte más oscura. No conviene agotar el margen, así pues, evitaremos en la parte numérica del blanco el 255, 255, 255, y como máximo lo dejaremos en 245, 245,245, y así con el negro lo dejaremos como máximo en 10, 10, 10, esto es debido a ciertos problemas que pueden surgir a la hora de imprimir.

1. Invitaciones personalizadas. Crea una invitación especial para enviar a vuestros amigos o familiares. Puedes indicarles dónde se va a celebrar la fiesta e incluso incluir una foto del o de la homenajeada, ¡seguro que a tus invitados les encanta!

2. Regala un álbum digital en el que resumas todo lo que ha pasado en su último año de vida. No hay mejor forma de soplar las velas que haciendo balance de todo lo bueno de tu año anterior para empezar con energía el siguiente. Y para los padres de bebés, no hay mejor recuerdo que los de los primeros años de vida de su retoño.

3. Si a tu hijo le cuesta acabarse el desayuno, este regalo puede ser un gran aliado, le encantará tener una taza personalizada con una de sus fotos favoritas para empezar cada día con mucha energía.

4. Además de hacerlo el protagonista de una fiesta muy especial, puedes convertirlo en el protagonista de su propio cuento. Solo tienes que elegir una foto y el cuento o la historia que más creas que le va a gustar.

5. Aunque regalar un Ipad a niños de cierta edad ya no es una idea nada original, sí es un idea original darles una funda de Ipad totalmente personalizada para ellos, por ejemplo, con su fotografía. ¡Les encantará!

Son, todos ellos, regalos que harán inolvidable un día para recordar.

Esta pareja artística, que son también marido y mujer, muestran una complicidad absoluta a la hora de crear y dotan a sus imágenes de una estética tradicional, folclórica y de carácter eslavo, para obtener imágenes de gran intensidad en las que el color tiene un gran protagonismo. Lo dramático y lo atractivo se unen mediante la mezcla de la alta costura con el atuendo tradicional.

Nos ofrecen una perspectiva novedosa y presentan una gran variedad de modelos, colores y elementos visualmente estimulantes. Sin embargo, todos ellos comparten la recurrencia a un objeto particular: en todas las imágenes aparecen huevos adornados, un elemento que nos transporta a los cuentos populares eslavos que tienen a su vez conexión con temas religiosos que se remontan a tiempos precristianos. En ese momento, la gente adoraba a un dios del sol llamado Dazhboh que consideraba a las aves como las criaturas elegidas y entonces el símbolo de los huevos adquirió un importante significado.

Erika y Lanny son un equipo en su vida privada y trasladan esa complicidad y pasión a su trabajo, en el que se apoyan en varios pilares: el fotoperiodismo, la narración de historias y la belleza natural.

Two Mann Studios viaja por todo el mundo documentando bodas de todo tipo en paisajes y escenarios espectaculares. Pero una de las cosas que mejor hacen Erika y Lanny es captar sentimientos.

Podéis ver más de su trabajo en twomann.com]]> https://album.es/blog/fotografia/las-fotos-de-boda-mas-inspiradoras-two-mann-studios/gmx-niv18-con7807.htm https://album.es/blog/fotografia/las-fotos-de-boda-mas-inspiradoras-two-mann-studios/gmx-niv18-con7807.htm Thu, 09 Jul 2026 00:10:00 +0200 Quizás alguna vez suspendiste una sesión de fotos después de abrir la ventana y ver que la niebla lo cubría todo. El fotógrafo alemán Kilian Schoenberger se ha inspirado precisamente en la abundante niebla y el misterio que este fenómeno meteorólogico encierra. Para realizar esta genial serie, el fotógrafo viajó por Alemania, la República Checa, Austria y Francia.

Schoenberger tomó estas fotos a finales de verano y principios de otoño cuando "la niebla cubre el paisaje como un velo blanco", según reconoce el propio fotógrafo. Su intención estar en localizaciones espectaculares antes de la salida del solo. Sus paseos en coche y caminatas pueden durar desde una a cuatro horas. A veces, con el objetivo de capturar la niebla, el fotógrafo apenas duerme.

Él mismo explica "no tiene sentido irse a la cama antes de iniciar las expediciones fotográficas. En esos casos, me quedo despierto toda la noche y después trato de dormir un poco, pero eso no es algo que puedas hacer durante muchos días seguidos".

"Desde que comencé a subir las montañas a primera hora de la mañana, la mayoría de las veces yo solo, es una experiencia muy especial", dijo. "Cuando todavía es de noche, durante la caminata, todo está muy calmo con excepción de algunos animales como los búhos. La expectación crece cuando el cielo comienza a brillar suavemente. Alrededor de 30 minutos antes de la salida del sol, empieza el mejor momento de la mañana. La intensidad de colores alcanza su punto más alto y, debido a la luz indirecta, todo parece suave", reconoce.

Si te han gustado las explicaciones de Schoenberger, no te puedes perder las fotos que te presentamos a continuación y tampoco puedes dejar de visitar su web o instagram.

Tosa y Leia, los dos perros de la familia, son los protagonistas de muchas de las fotografías veraniegas de la familia.

Los baños en el lago con un clásico del verano en el campo

Prescindir de su Playstation y todos los dispositivos conectados a Internet con los que conviven en otros momentos, hace que los veranos de los niños sean momentos de imaginar nuevos juegos, compartir momentos en familia o descubrir su entorno.

La toma de una fotografía consta de un mecanismo simple y eficaz. Nadie podía pensar en la manipulación, sobretodo en los comienzos de la misma.

Y es que la imagen no es más que lo que hay, las fotos entonces no mienten, solo muestran la realidad existente pero ¿hasta donde es esto cierto?

La fotografía es siempre una manipulación: una selección premeditada realizada por el fotógrafo que secciona la realidad a su gusto, eligiendo un punto de vista y dejando fuera del encuadre aquello que no le interesa: incluso en la foto más simple y más cercana a la verdad, hay una manipulación previa, ya sea por exclusión de información o por la forma de seleccionar aquello que se muestra.

Y es que no solo el retoque es un engaño, la selección es una pequeña traición a la realidad. El primer reportaje gráfico que se conoce sobre una guerra, las fotos de Roger Fenton en Crimea suponen un gran de engaño: ocultándonos la cara más amarga y dejándonos ver el lado menos cruel de la guerra.

Las imágenes no estaban manipuladas en el retoque, no eran mentira: son cosas que ocurrieron. La manipulación se encuentra en la selección que se presenta al receptor, esa realidad coja, falta premeditadamente de toda la información necesaria para crear una auténtica verdad. Ningún muerto en sus imágenes, ningún gesto de desdén o de debilidad, una visión fría y descriptiva, pero romántica en el sentido de aislada, de ciega, de poco realista que llevo a los expertos a denominar a estas imágenes como "la falsa guerra".

¿Dónde está el límite en la manipulación? ¿Debemos asumir siempre con recelo la imagen fotográfica? ¿Estamos condicionados por el formato a la hora de juzgar una imagen?

Una polaroid por ejemplo, parece un modo sincero de realizar una imagen: fotografías instantáneas, donde por una mera cuestión técnica la manipulación parece no tener cabida.

Lo mismo ocurre con las cámaras digitales de baja resolución que asociamos a gente sin conocimientos en fotografía y que por tanto no son sensibles de producir engaño. Cuando vemos una imagen de este tipo no pensamos en esta posibilidad. Con las grandes cámaras digitales no ocurre eso: sabemos de forma inconsciente que es el formato más susceptible de mentir.

¿Y vosotros? ¿conocíais la historia de Roger Fenton?

"Encuentro la inspiración en la vida diaria, en la naturaleza, en mis sentimientos y pensamientos", dijo Janek Sedlar durante una entrevista con "Interesting Photographers" (Fotógrafos Interesantes, en su traducción al español). "Estar en estos bosques y prados es un retorno a mi infancia, que recupera la energía de mi vida y yo estoy tratando de compartir momentos con mi cámara, el proceso en sí es como una meditación para mí", declaró Janek.

Sus fotografías nos presentan bosques surrealistas que documentan el otoño perfecto, con su luz cálida y las nebulosas, con sus colores rojillos y el ambiente húmedo. Si te ha gustado su trabajo, no dejes de pasarte por su web y echar un vistazo a fotografías anteriores.

Haciendo memoria, la edición del año 2016 contó con la participación de 50.000 imágenes de 130 países. Hoy nos fijamos en las imágenes premiadas en la categoría de viajes que impresionan por su color, diversidad, intensidad, ternura pero, sobre todo, porque parecen traspasar la pantalla y transmitir sensaciones.

Esta imagen de los invernaderos de fresas en Turquía nos trasmite alegría y vitalidad por sus colores perfectamente captados por la fotógrafa, Leyla Emektar, que esperó a que la campesina entrase en plano para disparar. Su pañuelo en rosa intenso y su vestido contrastando en verde completan la paleta cromática de una toma perfecta.

Esta fotografía de Jacky Wong Choon Kit parece una pintura.

El autor de la fotografía, Matjaz Krivic, ayudó a este niño a remendar sus zapatillas con su aguja de coser e hilo dental para que pudiera seguir a su rebaño.

Antonius Andre Tjiu fotografió este mercado flotante en el sur de Borneo.

Hoang Long Ly fotografió a estas mujeres vietnamitas reparando redes de pesca en un pueblo cercano a Bac Lieu, un distrito costero situado en el sur de Vietnam, en la región del delta del Mekong.

Esta fotografía de James Rushforth nos provoca vértigo. En ella vemos el Monte Piana (2324m) en los Dolomitas italianos, por encima de la pequeña ciudad de Misurina durante el Festival Internacional Highline. La montaña es popular entre los caminantes, que vienen a aprovechar los numerosos contrafuertes de las montañas, suspendiendo cuerdas entre los espectaculares acantilados y luego tratando de caminar sobre las lagunas.

Los fieles oran en la segunda congregación religiosa más grande de musulmanes en el mundo después del Hajj, organizada a orillas del río Turag, Tongi, Gazipur, Bangladesh. El autor de la fotografía es Muhammad Mostafigur Rahman.

A principios del año pasado tuvo la suerte de cumplir su sueño y visitó Japón justamente en el momento en el que los cerezos comienzan a llenarse de flores. Visitó Tokio, Kyoto, Nara, Osaka y Mt Koyasan. Todas ellas eran ciudades muy diferentes pero cada una de ellas, dice, tenía algo especial.

De su viaje por Japón ha traído imágenes que capturan paisajes urbanos con luces de neón tradicionales. El país del sol naciente resultó, a ojos de Iwona Pinkowicz, tan fascinante y cautivador como había soñado. Dice que no será la última vez que visite Japón.

Christian Aslund nos invita a unirnos a la petición para que las compañías petroleras cesen su actividad en el Ártico aquí: Save the artic.

Para controlar de forma cuidadosa la temperatura y la humedad en una habitación, Smilde utiliza una máquina de humo para producir las nubes etéreas que quedan suspendidas en el aire tan solo por un instante. Aunque los nimbos son visibles tan solo durante unos segundos, su existencia efímera se convierte en permanente gracias a la fotografía. Estas imágenes se centran en un estado transitorio entre la construcción y la deconstrucción, a través de la muestra de nubes de ensueño que aparecen y desaparecen en un abrir y cerrar de ojos.

La última exposición de Smilde "Antípoda" se mostrará en la Galería Ronchini de Londres hasta el 14 de junio. El espectáculo contará con impresionantes obras multidisciplinares del artista en las que se sintetizan fotos, instalaciones, performances y esculturas. El título de "Antípoda" es una forma de escenificar que la obra de Smilde es muy dual, que pasa de un extremo a otro.

Si quieres conocer más de cerca su obra, no dejes de pasarte por su web y, si tienes ocasión de estar en Londres, por la Galería Ronchini. Seguro que una visita, aunque sea fugaz, como las fotos, merece mucho la pena!

Este fotógrafo pasó en el mes de julio unas semanas viajando por Islandia y tomando fotos con su dron DJI Phantom 3 Advanced. Las fotografías resultantes ¡¡son preciosas!!. Polomski condujo más de 4.000 kilómetros tanto por la costa como por el interior del país.

"Islandia es una tierra única, en algunos lugares uno tiene la sensación de percibir el paisaje como si fuera un pájaro", señala Jakub Polomski. Todas las fotografías realizadas durante el viaje fueron capturadas por el dron con una cámara de 12 megapíxeles que lleva a bordo.

No es el primer proyecto fotográfico de Polomski que nos fascina. Ya lo descubrimos en el año 2012 con una serie de fotografías de montañistas en los Alpes. Si te gusta su trabajo, no dejes de visitar su web. Seguramente te servirá de gran inspiración!

Este fotógrafo nos conquista con sus pirámides de comida que nos transportan a un mundo psicodélico y lleno de color. ¿Te vienes?

Kaplan ha diseñado una serie para captar nuestra atención y hacer nuestra boca agua, al mismo tiempo. Utiliza galletas, dulces, tortas de té y bocatas para construir numerosos pozos y pirámides culinarias. Estas estructuras comestibles a veces se forman de elementos simples que cualquiera puede encontrar en el supermercado de su barrio.

Su experiencia en el mundo de la fotografía le ayuda a la hora de lograr la iluminación correcta y así captar los intrincados detalles de cada una de sus construcciones arquitectónicas. Transforma totalmente los alimentos en obras de arte fascinante, casi casi igualando a los mismísimos egipcios. Toda una hazaña que yo jamás conseguiría porque antes de hacer la pirámide ya me habría zampado todas las galletas. Sí, lo confieso, los dulces me pierden!!

Dwayne Parton y su perro partieron de Carolina del Norte hace más de tres meses en una furgoneta y decidieron publicar las fotos de esta aventura tras haber recorrido miles de kilómetros, haber recogido autoestopistas, haber caminado por la naturaleza y de descubrir en queé consiste la vida errante.

Sin duda nos morimos de envidia porque pueden hacer realidad su sueño sin tener que renunciar a su trabajo. Parton asegura que puede compatibilizarlo sin problema con su aventura, así que podemos concluir que tiene una vida casi perfecta. Decimos casi perfecta porque ahora que llega el invierno, está claro que las condiciones ya no son óptimas para los viajeros. Por eso han decidido alquilar una habitación para tener como "campamento base". Llegados a este punto solo nos queda desearles "¡Buen viaje!".

Nos presenta paisajes inundados por la luz dorada del sol, las mujeres vestidas con kimonos de seda y la arquitectura típica de un país sorprendente. Cada imagen invita a observar detalles en los que no nos fijaríamos en un primer momento y también nos permite observar la belleza de la simplicidad.

"La fotografía es más que un placer, es una pasión", dice Yasui y su pasión por Japón se transmite evidentemente a través de sus imágenes que nos dan una visión perfecta de la gran riqueza cultural de un país singular.

La fotógrafa centra su trabajo en el entorno subacuático y utiliza el agua para crear un estado de ánimo que conduce a una narrativa visual dramática propia del surrealismo. Impacta su gran dominio de la iluminación, donde predomina el claroscuro que ofrece un contraste entre el fondo y el sujeto que dota a la fotografía de un gran atractivo.

Las fotografías intentan reflejar la conexión entre la vulnerabilidad humana, la belleza, la moda y las artes escénicas. Sus fotos se exhiben en la actualidad en el Museo de Arte Fort Wayne de Indiana, en Estados Unidos. Son un claro ejemplo de las amplias posibilidades que ofrece la fotografía contemporánea. Creo que sus fotos nos inspirarán para futuros trabajos!!

1. Sobórnalo. Empezamos fuerte, sí. El viejo truco de la galletita para mascotas también funciona para las fotos. Dale una antes de empezar y sabrá que, si se porta bien, tendrá premio.

2. Juega con tu mascota. Es importante que juegues con tu mascota durante la sesión. Así estará contenta y se sentirá relajada y feliz. Si además de esto necesitas que mire a la cáamra un buen truco es hacer algún ruido estridente que llame su atención. Pueden conseguirlo con alguna aplicación de móvil gratuita que emita sonidos de otros animales.

3. Intenta captar su personalidad. Si tu mascota es muy inquieta y juguetona, sácala corriendo y jugando, pero si es muy tranquila y dormilona, ¿por qué no hacerle una foto mientras disfruta plácidamente de su siesta?

4. Céntrate en los ojos. Los ojos de los animales suelen ser muy expresivos y, si los captas bien con tu cámara probablemente tu fotografía quede bien, por el contrario, si te pierdes los ojos la imagen será probablemente mala. Puedes inspirarte en estas fotografías de Sergey Polyushko.

5. Primeros planos. Son fotos de mascotas preciosas pero sólo aptas para cámaras u objetivos con lentes un poco buenas. PAra hacerlas recomendamos utilizar el modo de prioridad de abertura y situar la abertura en un f / 2.8, o incluso f / 1.4, lo que con un objetivo de kit sería f / 3.5, normalmente. A cntinuación nos situamos cerca de nuestra mascota y hacemos foco en sus ojos, el resto puede salir borroso pero eso, a veces, también puede quedar muy bien. Para que quede más enfocado tendríamos que ir cerrando el diafragma a un f/ 4, por ejemplo.

6. Para hacer fotos a tu mascota en acción, por ejemplo, saltando, necesitas una velocidad de obturación rápida y una cámara y lente que puedan mantener el foco en un tema en movimiento. Es recomendable usar el modo de enfoque continuo, en lugar de un solo disparo y buscar un día muy soleado a una hora con buena luz para no tener que usar un ISO muy alto. Una opción es usar el modo de prioridad de velocidad de obturación y situarla en 1/500, si las fotos salen oscuras, será necesario subir el ISO. Ahora solo faltaría centrarse en los ojos de su mascota y disparar.

Fotos: Pinterest, 500px
Fuente: Digital Trends

El fotógrafo Jonas Peterson capturó un paisaje impresionante durante la boda de una pareja celebrada en Kenia en presencia de sus amigos guerreros masais. La pareja de novios pasó dos años en la zona elaborando un libro sobre leones y, mientras realizaban su proyecto establecieron una relación de amistad con los lugareños. Cuando llegó el gran día, decidieron celebrar su ceremonia en un campamento masai.

El fotógrafo Eric Ronald capturó la foto de una pareja, Belinda y Campbell, que se casó en Nueva Zelanda. Para sorprender a su marido, Belinda alquiló un helicóptero para poder ver el mundo desde el aire y tomar fotos en la cima de una montaña. Las imágenes que capturó el fotógrafo son espectaculares.

El fotógrafo Gabe McClintock se suma a la serie de fotos únicas de boda con el álbum de fotos de Sarah y Josh, una pareja que se escapó a Islandia para celebrar sus nupcias. La pareja tenía planeado en un principio celebrar una boda sencilla con su familia en Ohio pero, en el último momento, decidieron fugarse a un lugar lejano lleno de maravillas naturales para guardar un recuerdo único de su boda. Este es el resultado.

Corona de gota de leche

"Segundos. Ahí está. A veces no sirve de nada. A veces es un valor tremendo" Harold Edgerton

1. La fotografía de la caída de una gota de leche sobre una mesa fue tomada por Harold Edgerton en 1957.
2. Edgerton trabajó durante años para perfeccionar sus fotografías con gotas de leche, muchas de las cuales eran en blanco y negro. De hecho, una de sus versiones estuvo expuesta en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York, en 1937.
3. En el momento en el que se hizo la fotografía era imposible captar una imagen en la oscuridad sin un equipo muy pesado.
4. En aquel tiempo tampoco se había descubierto ningún mecanismo que hiciese posible la captación de un instante fugaz.
5. Harold Edgerton creó su propio equipo para hacer la foto combinando luces estroboscópicas de alta tecnología con motores de obturador de cámara lo que le permitió capturar momentos imperceptibles a simple vista.

Fuente: Revista Time]]> https://album.es/blog/fotografia/memoria-fotografica-5-curiosidades-sobre-foto-de-la-gota-de-leche/gmx-niv18-con7470.htm https://album.es/blog/fotografia/memoria-fotografica-5-curiosidades-sobre-foto-de-la-gota-de-leche/gmx-niv18-con7470.htm Thu, 04 Jun 2026 00:10:00 +0200 El fotógrafo japonés Hidenobu Suzuki, miembro de la comunidad "Your Shot" de National Geographic ha tomado una serie de fotos que nos ha cautivado desde el minuto uno. Entre todas ellas, la primera que os mostramos que él bautizó como Sleeping Giant ("Gigante durmiento" en su traducción en castellano). La foto fue tomada después de una fuerte tormenta. Muestra al Monte Fuji que se cierne sobre Fujinomiya, una ciudad situada en el municipio de Shizouka.

Suzuki, fascinado por los hermosos colores, señala: "cuando tomé las fotos en un absoluto silencio, tuve la sensación de que la Tierra estaba viva y de que tenía alma". El Monte Fuji es con 3.776 metros la montaña más alta de Japón. Es famosa por su excepcional forma de cono simétrico. Se trata de un volcán activo que entró en erupción por última vez hace aproximadamente 300 años.

El Monte Fuji se encuentra a unos cien kilómetros al suroeste de Tokio y, si hay un día claro, se puede ver desde la capital. Además es un sitio muy conocido en Japón y en todo el mundo. La foto de arriba fue incluida en la sección Embrace the Untamed de la comunidad fotográfica Your Shot de National Geographic. Entre 18.000 imágenes presentadas, fue escogida como una de las 32 mejores.

La fotoperiodista Evelyn Hockstein explica cómo eligió las mejores fotos de paisajes: "Los mejores paisajes presentaban a menudo una luz dramática, el clima o el terreno. Busqué paisajes que pareciesen indómitos, retratando a la naturaleza como la fuerza salvaje que nos impresiona y nos empequeñece con su poder y belleza".

Después de ver esta fantástica foto de Hidenobu Suzuki, hemos encontrado otras fotos suyas que, a nuestro parecer, también merecen ser observadas con detalle.

En las fotos de Hoffine las pesadillas se convierten en realidad. El uso de cámaras y accesorios le permiten retorcer la imaginación hasta el límite. Su serie más conocida "After Dark, My Sweet" ("después de la oscuridad, mi amor", en su traducción al castellano) se centra en el tipo de pesadillas que todos hemos tenido cuando éramos niños. 

Si buscas darle un toque original a tus álbumes familiares, quizás sus fotos pueden servirte de inspiración y puede ser además un juego muy divertido. ¿Qué tal si en vez de contar cuentos los representáis? Seguro que acaba siendo un día inolvidable y las fotos lo atestiguarán.